Instrucciones para entender tres pinturas famosas por Julio Cortázar

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LA MONALISA AUSTRIACA por Fernanda Hernández

El Retrato de Adele Bloch-Bauer I , Es una pintura de Gustav Klimt completada en 1907 , mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y hoja de oro y plata sobre tela. Es la obra maestra del llamado "estilo dorado" de Gustav Klimt y se encuentra en la colección Launder en su Neue Galerie de Nueva York (2). La pintura se compone principalmente de un campo decorativo de oro interrumpido en ocasiones por la plata y piezas de color. En el fondo observamos rectangulos en diferentes tonalidades de rojo , azul y verde, asi como la repetición de las iniciales "A" y "B" , pares de ojos, remolinos , líneas y figuras brillantes que asemejan diamantes o piedras preciosas. En el centro de la pieza aparece una mujer , de la cuál destacan su rostro, pecho y manos en diferentes tonos de verde y rojo.

Klimt pintó a la mujer, en este caso , Adele, sentada, como flotando en un mar de oro. El color dorado invade la estancia que ocupa la dama y que también viste un traje dorado. De esta forma su cuerpo y el fondo casi se confunden, aunque se logra evitar , gracias al respaldo de lo que parece ser un sillón, el cual se funde entre los mosaicos.

La pintura esta hecha de materiales de lujo , bajo la inspiración de las lacas japonesas y los mosaicos bizantinos. Klimt , hijo de un grabador de metales preciosos (1.-pag 35) , aplico generosamente extensiones de hoja de oro y plata directo al lienzo. El resultado es que la cabeza y manos de Adele , parecen estar flotando en un mundo totalmente artificial. El efecto que lo hace parecer un objeto de lujo , esta influenciado por el exotismo de los símbolos y garabatos que Klimt toma prestados del Arte Egipcio y que quedan impregnados en la tela dorada del vestido de Adele (1.pag 40).

La pintura nos muestra tambien, a un prominente miembro de la élite vienesa y fue comisionado para mostrar sus costosos encantos. Adele Bloch-Bauer, asistió al elegante estudio de Klimt , el cuál estaba lujosamente decorado para la ocasión y pago un alto precio por ser retratada (2) . La pintura resultante, era en si el emblema ideal de la opulencia , una celebración a la burguesía , lo que nos devuelve del mundo moderno , al antiguo. Y la opulencia , en cuánto a esta pieza se refiere, sigue vigente , ya que ésta es la pintura por la que una galería ha pagado la cifra más alta de dinero en la historia del arte(2) , nada más y nada menos que 135 millones de dólares.

PROTECCIÓN KAWAI por Fernanda Hernández

Esta pieza de Chinatsu Ban , es un par de esculturas que fueron exhibidas en una muestra de Cultura Moderna Japonesa , en el año 2005 , llamada ¨Little Boy¨ ( nombre con el que se bautizó a la bomba atómica lanzada sobre la ciudad japonesa de Hiroshima). La exhibición e instalaciones públicas fueron curadas por Takashi Murakami y exploran el fenómeno , impresionantemente popular llamado OTAKU.
OTAKU, la subcultura japonesa obsesionada con los video juegos, tiras cómicas de ciencia ficción ,la fantasía y los filmes de animación , en los que sus formas musicales y visuales , rápidamente se están globalizando.
Chinatsu Ban , comenzó haciendo arte en 1997 , desarrollando una estética muy singular , haciendo pinturas acrílicas y dibujos de elefantes que flotan sobre el fondo blanco de papel arroz o frente a una serie de líneas en color pastel. La primera escultura formal de Ban , nos recuerda e éstas pinturas y dibujos de coloridos elefantes con grandes ojos , redondeados cuerpos, trompas pequeñas y sin boca.
En V W X Yellow Elephant Underwear, H I J Kiddy Elephant Underwear, las esculturas nos muestran la figura de dos elefantes amarillos con detalles en colores brillantes , como el naranja y diferentes tonalidades de rosa . En su rostro observamos círculos de color verde que asemejan ser ojos y están montadas sobre un rectángulo y un cubo de color verde limón. Las dimensiones de los 2 elefantes son diferentes , el grande mide 170 x 95 3/4 x 108 1/4 en (L: 4320mm x ancho: 2430 x largo: 2750) y el pequeño 48 3/4 x 28 x 28 3/4 pulgadas (L: 1240 mm x ancho: 710 x largo: 730).
En el rostro del elefante más grande , aparte de los ojos , observamos diferentes figuras , que suponen ser símbolos de protección . Los dos elefantes portan ropa interior blanca , con dibujos de ropa interior de diferentes colores . En la parte trasera del elefante más grande se observa una figura en colores pastel con forma de excremento , la cuál tiene dimensiones de 14 1 /2 x 14 ½ x 16 pulgadas (L: 405 mm x 405 mm de ancho x 370 de alto).
El par de elefantes de Ban , son a mi parecer , irresistiblemente dulces , pero para la artista están cargados de un intenso significado y simbolismo personal . Como para Louise Borgeois en su trabajo , donde frecuentemente aparecen arañas como tótem de protección maternal.
Los elefantes de Chinatsu Ban , tienen una relación talismánica con su propia infancia. Esto nos remite a una pequeña figurilla que una vez compró , el cuál se convirtió en amuleto y símbolo de paz y protección.
La lindura es una obsesión para Ban y su obra está cargada con un palpante tinte psicológico. La palabra japonesa para lindo o cute es ¨kawaii¨. Más que un simple adjetivo , la palabra ha tomado una tremenda resonancia cultural en la década reciente. La revista japonesa para adolescentes CREA , una vez mencionó en uno de sus artículos que ¨kawaii¨ , és , la palabra generalmente más usada, más querida y más habituada a la cultura moderna japonesa existente.
Desde Hello Kitty , primera en aparecer en productos estacionarios , durante la época de los 70´s , hasta el fenómeno más reciente de los grupos pop , la cultura japonesa contemporánea y los bienes de consumo , están saturados de toda la palabra ¨kawaii¨. Lo que nos deja pensando en que :
¨Todo puede transformarse en lindo , en éste caso , hasta una montón de excremento de elefante¨.
Little Boy: The Arts of Japan's Exploding SubcultureChildren's Literature Association Quarterly - Volume 31, Number 1, Spring 2006, pp. 93-97

SARCÁSTICO MUNDO por Ana Isabel Estrada

Golden eyes
Caixa -forum Barcelona
2008

SARCASTICO MUNDO
Petra Mrzyk nació en Nuremberg en 1973 y Jean Francois Moriceau en Saint Nazaire en 1974, actualmente viven en Chatillon Indre.
Entre sus proyectos recientes hay exposiciones tales como «We only live 25 times (avec Félicien Rops)», una gran instalación que ocupa todo el espacio expositivo con dibujos y murales; «Bons baisers de Russie», la presentación de un catálogo de dibujos que también sirve para confeccionar el material habitual de una sala de espera o «Octopussy», un recorrido de dibujos expandidos por las paredes de la galería.
La obra se desplaza por las paredes interiores en donde predominan las líneas sencillas en negro sobre un fondo blanco, dichas líneas forman círculos sobrepuestos dejando ver desde el centro distintos dibujos, imágenes enriquecidas por el uso de la línea y forma.
Líneas ondulantes que en su recorrido por el lienzo dan forma a un mundo interpretado a través de los ojos, un lenguaje común tomado por el humor y critica a una sociedad inmersa, dentro y fuera en imágenes.
Las imágenes en la vida son como el pan de cada día, todo el tiempo el individuo esta expuesto a estas, la información que se propaga tiende a ser ilustrada para causar impacto la mayoría de las veces, esto difiere de acuerdo a el objetivo; en el trabajo de petra y jean francois no existe una excepción en cuanto a impacto puesto que los elementos empleados son y se transforman, golden eyes es el mundo visto a través de lo cotidiano transformado en elementos, situaciones, imágenes, irreverentes.
Los dibujos de Petra Mrzk y Jean Francoise Moireceau en cuanto a temática explotan las imágenes que como público podemos asociar a la televisión, publicidad, carteles… la iconografía popular empleada en sus dibujos es una manera de acercar el arte a las personas. Esta afirmación es solo un pretexto para formular preguntas ¿Qué estamos reflejando como sociedad? , si bien la percepción de estos artistas en nuestro tiempo no es la verdad absoluta, pero si se acerca a lo que nosotros observamos a través de los medios de comunicación, la manera irónica, sarcástica en que estos dibujos nos refleja una parte de la sociedad.




Referencias:
http://www.airdeparis.com/jfp.html
http://www.fundacio1.lacaixa.es/SGI/
http://www.notcot.com/archives/2008/01/mrzyk_moriceau.php

CONTEXTO ALREDEDOR DE BANSKY ¿Y SU TAN LLAMADO ARTE URBANO? por Tania Olivares Quintero

"WET DOG" de Bansky

Arte urbano “El graffiti” como sutilmente es conocido, es la manifestación artística con más densidad cultural de las que han surgido en las últimas décadas, y la más característica de la sociedad contemporánea.
El graffiti moderno es la manifestación artística y de cultura popular más genuina del tiempo que vivimos.
Un ejemplo claro es la obra de Banksy “Wet-Dog” (Perro mojado), sutil graffiti, aproximadamente de 40 centímetros de altura y 60 centímetros de ancho, con características de un animal canino callejero, dando la sensación de perder su color al sacudirse, plasmado en una pared a su vez vieja y craquelada en lo que da una atmosfera de lugar abandonado y poca higiene, clara evidencia que esta obra está realizada con materiales vinilicos especialmente blanco en la imagen principal canina, como único fondo el color negro y unas cuantas pinceladas de verde limón que destaca la sensación de movimiento.
Esta es una de las tantas obras reconocidas de Banksy, el llegar a representar e reinterpretar algo muy palpable que no queremos observar pero está ahí, el lo plasma con sencillez, lo llena de formas básicas, imágenes conocidas, iconos emblemáticos al igual que las crea lo más explicito posible, un mensaje político, un toque de critica acida social, siempre sobrellevando lo “establecido”, múltiples veces de la propia historia del arte, que manipula para darle un sentido contrario al original y al final todo esencialmente urbano.
A pesar de toda esa facilitación tanto plástica como visual, no pierde su fin, lo logra inevitablemente, esa escencia que el autor propone trasmitir, la sencillez de la obra da esa visualización muy expresiva. Dejando en claro la valoración, ¿Qué valoramos más? ¿Y cuanto lo valoramos?, Como el que un objeto deja de atender nuestras necesidad y lo desechamos sin importarnos el espacio donde llegue a dar, invadiendo el espacio y sustento de otros seres vivientes, el titulo Wet-Dog” (Perro mojado), al estar empapado, al sacudirse queda limpio, queda libre de todo, desechando como el hombre lo que esta de mas en el ( en este caso la suciedad), tal cosa, la mayoría de las veces lo rudimentario tiende a tener o a hacer más expresivo.
Banksy, artista contemporáneo anónimo, poco se le conoce, de nacionalidad inglesa, comenzó su actividad de “grafitero” a finales de los 80, formando parte de un grupo conocido como 'DryBreadZ Crew'. En su primer libro (Wall and piece) cita el cómo llego a pulir su técnica
"Estábamos poniendo 'SIEMPRE LLEGA TARDE' en el vagón de pasajeros de un tren. De repente llegó la policía y salimos corriendo. Pero yo me arañé con las espinas de un arbusto y no me dio tiempo a llegar a nuestro coche. Mis amigos se fueron. Yo me escondí debajo de un camión de basura. El motor estaba a la altura de mi cara: un hilillo de aceite se filtraba y me caía en la cabeza. Estuve así durante una hora, mientras oía a los polis andando por los raíles, buscándonos. Decidí cambiar de táctica o dejarlo: tenía que tardar menos tiempo en pintar. Entonces vi que el tanque del motor del camión tenía letras pintadas con una plantilla. Yo podía hacer lo mismo con letras mucho más grandes".
Probablemente Banksy sea el principal exponente del arte callejero actual, poeta contemporáneo que llega a demostrar con palabras y con imágenes al mismo tiempo su obra, por su capacidad para crear un discurso crítico, por su interacción con la ciudad y por su pericia a la hora de buscar el más difícil todavía y seguir conservando el anonimato.
“las impresiones te quedarán mejor si las haces en papel brillante, usando la impresora de tu empresa cuando todos se vayan a comer“.
Bibliografía

Libros:
“Wall and Piece”
(Muro y pieza)
“Banging your head against a brick wall”
(Golpeando tu cabeza contra una pared de ladrillo)
“Existencilism”
(De existencialism -existencialismo- y stencil -plantilla)
“Cut it out”
(Recórtelo)

Pagina official:
www.banksy.co.uk

EL GRITO por Rosa María Nájera

El Grito, obra maestra de Edward Munch realizada en 1893.

En esta pintura se transmite una emoción, una sensación que impacta a quien la contempla. Pero ¿qué quiso expresar el artista?, ¿ qué pasaba en ese momento? ¿por qué ha sido considerada una obra de arte y cuáles son sus cualidades artísticas?
Considerada la primer pintura expresionista, deja atrás la cientificidad de la etapa del impresionismo y sus ilusiones visuales logradas por el estudio y conocimiento del color para ir en la búsqueda de encontrar por medio de la pintura la manera de expresar su mundo interior e ideas, dándole énfasis a ese carácter expresivo, dentro del mismo proceso del arte que busca innovar y romper con lo anteriormente establecido y en un momento de la historia que en que surge el inconsciente con las teorías de Freud.
La pintura es claramente expresiva. Es su cualidad más importante. La pincelada en movimientos ondulantes, nerviosos, adentra en la crisis y en la profundidad del sentimiento del artista. El pintor no necesitó detalles en la imagen, es suficiente la pose con las manos en los oídos de un rostro sin facciones y sin rasgos de la figura principal, pero transmitir la angustia en lo que parecen ojos y boca distorsionados en una expresión desgarradora de miedo incontenible que sumerge al espectador en la profundidad de la imagen. Entrando en ese sentir caótico, la escena se vuelve como una pesadilla de una persecución paranoica y acechante. La profundidad se logra con las figuras distantes, a lo lejos, pero cerca, y separa a la figura principal como si huyera de ellos, o de algo más. Aislado de ellos, pero cercano al espectador que puede sustraerse de su propia realidad al contemplar el cuadro y encontrar algo identificable en el, tan fuerte y violentamente transmitido y tan humanamente reconocible de ese torbellino emocional.
Haciendo un recorrido por su obra en general, nos deja ver en su autobiografía en imágenes, la utilización de elementos visuales a los que recurre repetidamente, como signos de sus fijaciones mentales de experiencias dolorosas de su vida. Motivos al final de cuentas para pintar. La pintura fue el medio para expresar su dolor, y su vida atormentada y compleja el pretexto para sus temas. En ella el artista muestra toda su vulnerabilidad, su fragilidad nerviosa, sus culpas del pasado y su confrontación del porque de existir, de la hipocresía de su entorno social, de su propia educación y la carencia de felicidad de su infancia, de donde prevalecía como recuerdo la enfermedad y la muerte.Su personalidad convulsionada y aturdida por el sufrimiento impacta y transmite todo el miedo y la angustia que puede sentir el ser hombre ante lo mas inevitablemente humano: amor, enfermedad y muerte, y ante la misma vida.
Pero además de reflejar su personal estado emocional y psicológico, ante la llegada de un nuevo siglo, de dejar el pasado atrás y proponer cosas nuevas, también pareciera expresar en su pintura toda la incertidumbre y el miedo de lo venidero y desconocido y de vivir con nuevas maneras de pensar.
¿Hay algo más reconocible de ese momento histórico particular? ¿El sentimiento de estar en el límite, al borde de algo, ante la llegada de lo nuevo que desconcierta y algo que empuja hacia una carrera para ganarle al tiempo en un desarrollo tecnológico que significa el progreso del hombre y que puede significar al mismo tiempo su mayor fracaso?
El artista innovó en la técnica, transmitió una expresión en sus temas, y reflejó su personalidad y sus emociones, con las que podemos identificarnos como seres humanos. Como tales, no podemos separarnos de esa capacidad de sentir, y ese sentir tan humano, como hoy, como Munch en su pintura, es tan actual como cualquier momento en que hoy podemos sentir angustia o miedo en mayor o menor grado en algún momento de nuestra vida, y tan conmovedor porque es claramente identificable y puesto ante nuestros ojos.

"CABEZA ENCENDIDA" DE CAI GUO QUIANG por Silvia Tejeda

Cai Guo Quiang, artista multidisciplinario que se distingue con sus instalaciones como una de las más ambiciosas presentadas por el Guggenheim que se mostraron en marzo del 2008, según Thomas Krens, con mas de 80 piezas realizadas a partir de 1985.
Estableciendo en su obra, un juego dialéctico entre la naturaleza y lo artificial, lo local y lo global, enfocado en la mitología china, la táctica militar, medicina oriental y los métodos de violencia terrorista.
La instalación ¨head on¨ (2006) consiste en una manada de 99 lobos tamaño real hechos de resina y fibra de vidrio, dispersados en la galería, corriendo de un extremo a otro, en forma diagonal ascendente hacia una pared de vidrio, creando la ilusión de movimiento y de un impacto doloroso.
¿Será acaso que Cai intenta expresar la mitología china de una manera poética?
¿O tan solo busca reflejar la destrucción del medio ambiente?

Se ve claramente que al ir ascendiendo los lobos alcanzan su heroísmo a través de la unidad de la colectividad. Pero al descender se puede apreciar como se unen retomando su posición para seguir en el ciclo.
Según la mitología china, el Lobo es sinónimo de salvajismo y desenfreno, tambien está la historia de un lobo celeste (la estrella Sirius), guardián del palacio celestial (la Osa mayor). El carácter polar se encuentra en la atribución del lobo al norte. Este papel guardián da lugar al aspecto feroz del animal. En ciertas regiones del Japón fue invocado como protector.

Hasta hace poco los lobos abundaban por Norteamérica, Eurasia y el Oriente Medio Aunque está clasificado como una especie poco amenazada para su extinción, en algunas regiones incluyendo los Estados Unidos continentales, las especies están listadas como en peligro o amenazadas.
Hay una gran variedad de lobos pero un dato importante en la obra de Cai es la especie que que tomo como referencia: Lobo de Honshu (Canis lupus hodophilax): Pequeño lobo de color pardo que habitaba en zonas montañosas de las islas japonesas de Honshu, Shikoku y Kyushu. Las orejas y el morro corto lo asemejaban a un perro de la raza Akita Inu, su probable descendiente doméstico.Todo cambió con la llegada de la Era Meiji, que consideró este animal como un peligro para las nuevas granjas y plantaciones al estilo occidental que se construyeron durante la modernización del país. La caza y la tala masiva de bosques lo llevó al borde de la extinción. Una epidemia de rabia le dio el golpe de gracia en 1905.

Y retomando la mitología, en Roma el lobo está asociado a Marte, dios de la guerra, en otros países, evocará también una idea de fuerza mal contenida, gastándose con furor, pero sin discernimiento.
Al observar nuevamente la obra, damos por hecho que la especie que utilizó para proyectar la fuerza en su obra podrían ser lobos extintos.
También el detalle que tuvo para las expresiones, que van desde signos sutiles, o ligeros movimientos hasta expresiones obvias de intenso dolor.

http://es.wikipedia.org/wiki/Canis_lupus#Anatom.C3.ADa.2C_fisiolog.C3.ADa_y_reproducci.C3.B3n
http://images.google.com.mx/imgres?imgurl=http://www.lacoctelera.com/myfiles/dionisa/DIB-dominancia-lobos.jpg&imgrefurl=http://www.lacoctelera.com/dionisa/post/2007/06/17/el-lobo-como-especie&usg=__I3mCArzOrMiNTPA1U_Un-2SW3yQ=&h=480&w=640&sz=195&hl=es&start=5&um=1&tbnid=z4bvZwn8T7tnpM:&tbnh=103&tbnw=137&prev=/images%3Fq%3Dtipos%2Bde%2Blobos%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DG