El retrato de un caminar con Humberto Valdez.

 Francisco Javier López Farrera

Crítica del Arte I

6 de diciembre de 2012

Distrito Federal, capital del país, llena de cultura, de elementos coloniales y prehispánicos, que con tan solo caminar por las calles del zócalo la vista se comienza a enriquecer por el espectáculo inusual que te  sorprende y te atrae de tal modo que te resulta difícil apartar tu mirada.

En cada esquina se pueden ver  malabaristas como si fuera un circo ambulante por los disfraces que utilizan como estatuas, payasos, mimos, personajes de anime, lanza fuego y músicos callejeros como desde el mariachi, rockero hasta el  danzante que  retoma su pasado prehispánico para recordarnos nuestras raíces ancestrales. Pero también su población es una mezcla de países, de emigrantes que llegaron para quedarse y que a la vez aportan algo de su cultura y  por ello se crea una mezcolanza rica de culturas.  La cantidad de habitantes es tan grande que a la hora de que están en la parada del metro resulta tan difícil subir por que son tantos los que quieren subir al mismo tiempo que hay que estar alerta cada vez que llega un metro y tratar de estar parado cerca de una de las puertas para lograr subir rápido y eso al mismo tiempo hace que la ciudad se mueva  demasiado rápido. Al estar parado en una esquina esperando un microbús y voltear a un lado se puede ver un puesto de revistas son una saturación de imágenes con iconografía popular de la ciudad ya sea de los 50 que sigue presente  hasta lo más contemporáneo como el periódico del día, la revista de las novelas, pornografía o revista para “caballeros” hasta la revista muy interesante.

 Humberto Valdez nacido en el D.F., este ambiente saturado de imágenes será su entorno para crear su obra.  Estudia artes en la escuela de San Carlos y un tiempo después se va Valencia, España a hacer su maestría en Grabado y al concluirla regresa  a el D.F. y comienza a crear grabados en un edificio de 5 pisos que se encuentra ubicado en una unidad deportiva de la delegación la cual cuenta con ares para practicar diferentes deportes y el edificio se adapto para poder enseñar varias disciplinas artísticas con la intención de acercarlos y alimentar su creatividad. El piso 4 Humberto comienza a impartir clases de grabado con la intención de abrir un espacio llamado Taller de la Imagen del Rinoceronte (TIR)  para quienes tenían interés en aprender grabado con las diferentes técnicas. Comienza a trabajar con la temática de la iconografía de la ciudad con la idea del collage como simulando la forma de vivir en la ciudad como si todas las imágenes estuvieran amontonadas reinterpretando la idea de la sobrepoblación y la cultura popular usando personajes como un luchador como el santo, Blue Demon y por mencionar algunos, la flaca recordándonos más que un funeral una festividad como los es el día de muertos con todos sus colores, calaveritas y papel picado en los panteones atados a los árboles que están cerca de las tubas, la torre Latinoamericana que se encuentra en contra esquina del edificio del Bellas Artes, personajes de películas de los 50,60,70 y hasta la actualidad que lograron convertirse en un icono popular los cuales no son solo mexicanos por que también están personajes de la iconografía  norteamericana que logra impactar en la ciudad por eso se convierte en iconografía popular. Alguna de las imágenes son fotografías de personas que lo rodean y rótulos de precios de la fruta de un mercado sobre ruedas. Líneas en su obra  que logran crear texturas como tela, metal, madera y hasta la transparencia de una burbuja, la forma en la que juega con el ritmo de los músculos para lograr  el volumen de la figura humana claramente demuestra que tiene un gran dominio en el dibujo anatómico.

Un collage de imágenes con mucho ruido visual tal como se tiene la idea de una ciudad con mucho movimiento es lo que Humberto Valdez plasma en su obra porque a pesar de que trabaja el collage tiene claramente noción de los principios del diseño y donde el elemento primordial es la línea la base de todas sus imágenes, porque tiene muy bien acomodado cada elemento de su obra como la bailarina de salsa de alguna película clásica que tal vez en su infancia vio y recordó al caminar por alguna de las calles de la ciudad al ver algún póster o en una revista de algún puesto que tiene revista antiguas porque a pesar de que no es un personaje actual no deja de ser vigente porque es parte de la cultura  popular de la ciudad y debajo de la bailarina se encuentra una niña celebrando sus quince años que es muy obvio por el vestido blanco con su corona y con una sonrisa enorme en posición de modelado para la toma de la foto de su fiesta la cual tal vez nunca olvide porque es el paso de la niñez a la adolescencia, por el lado derecho se encuentra una imagen de algún retrato de alguna persona que quizás conozca o convive con ella, pero el semblante de su rostro es distinto a los anteriores por que es de seriedad y saliendo de la penumbra pues solo algunas líneas blancas del cabello hacen la separación de la sombra del personaje pero parecido a otro retrato  que también el cual parece ser familiar que se encuentra un poco más abajo que de igual manera maneja el mismo estilo de definición del rostro por que también está hecho en plastas negras que con poca luz forma el rostro. La mano  de alguna persona sosteniendo un revolver  tal vez de alguna revista que vio en uno de los muchos puestos de revistas que vio a su paso, como también puede que la modelo en bikini retro algo  muy popular en la cultura pop como la temática que Humberto Valdez al parecer se encuentra trabajando en este momento, como tal vez en su infancia probablemente observar a los animales que están en el zoológico le causo asombro por eso es que podemos ver plasmada a una jirafa y a algunos peces uno en la posición normal y los otros cuatro pero en diferentes planos como si estuvieran muertos y flotando con el estomago hacia arriba, al ver todas estas imágenes en su obras nos podemos dar la idea de que es lo que  el artista Humberto V. puede ver en el trayecto a su taller donde crea esta producción de grabado en el cual maneja la temática de la cultura  popular de una ciudad tan caótica como el D.F. con la ayuda del collage.

El retrato es la obra en la cual nos muestra esta serie de imágenes ya mencionadas, hace una reinterpretación del modo de vida de la ciudad, porque toda la iconografía que utiliza es el reflejo de una mezcla de culturas que ya están establecidas, es por eso que ver su obra es como conocer la ciudad.  Tantos elementos que nos muestra como la quinceañera esta por enfrente de la bailarina y esta a su vez pero parece que se asoma para poder sobre salir de la quinceañera que no logra pasar desapercibida por la posición en la que se encuentra ya que si tal vez estuviera en otra posición parecería que es una extensión del vestido de la bailarina, pero también los dos retratos que se encuentra a un lado de ellas es claro que tiene más peso por el contraste que hace con el juego de sombras que utiliza y la mirada fría con la que observa y se impone ante los de mas tal como seria la forma que te vería una persona a la que tal vez no le agrades o te resulte indiferente al observar la imagen de Batman, que para algunos causo emoción al ver la serie por televisión o en tiras cómicas como la de los puestos de revistas, que a su vez puede que algún mecánico con gustos por lo retro haya encontrado un póster  de alguna modelo en bikini y que al pasar Humberto la reconoció y quiso plasmarla en su obra “El Retrato” como prueba de que ciertos iconos por más que pasa el tiempo no dejan de ser populares en la ciudad es como si el tiempo se detuviera. Pero con todo este ruido visual por tantas líneas para arriba, otras para bajo, para la derecha e izquierda, se puede ver un desorden muy ordenado que permite que tu vista no se centre en un solo elemento,  textura de muchas formas como la que hace al quemar el linóleo crea una escala de grises como si fuera el movimiento del aguas como se puede ver en la derecha inferior, que se encuentra una masa circular que interpreto que es agua porque están unos peces casi en el centro del circulo, a diferencia del grabado tradicional Humberto busca nuevas formas de crear texturas mediante otros recursos y salir de lo común.  Parece que todos los personajes de esta obra están posando y de repente de la nada sale una jirafa que se atraviesa y logra salir en la fotografía mental de un retrato de un caminar con Humberto Valdez.  

Es claro que Humberto V. no solo nos muestra la iconografía popular de la ciudad, si no que tal vez intencionalmente está haciendo un registro del pasar de su vida en la ciudad, que con toda esta cantidad de imágenes amontonadas hace referencia a lo caótico que es la ciudad a la hora pico del día, porque  son tantos habitantes y tantos destinos  a los cuales van que parece que es lo que plasma con todas las líneas que utiliza en la obra llamada “El Retrato”  que es muy evidente por los rostros y sus expresiones faciales y que si es parte de la iconografía popular, es posible que el tiempo se detenga hasta que todas estas imágenes dejen de ser populares.                                                                                                                                                                                                                                                                                                 

Una figura sin título

Jazz Urenda

4 de diciembre de 2012

Una figura sin título.

Saber como influye la figura humana, en un artista; es siempre lo que se ha querido averiguar, sabemos que la figura humana ha sido un medio de expresión de sentimientos, estados de ánimo y valores humanos para el hombre. La figura humana se ha representado a sí misma como habitante. La representación de ésta ha ido evolucionando con la historia, en forma y estilo, la mayoría de los artistas siempre están interesados en reproducir el movimiento, en retratar las facciones y buscar la proporción de cada parte del movimiento.

La figura siempre ha prevalecido en antepasados, desde las pinturas rupestres hasta las actuales. En el siglo XX tiene una nueva importancia hacia la gente como tema estético, ya sea con motivos religiosos o mitológicos.

A través de la figura humana se han simbolizado diferente sentimientos como el amor, el temor, estados de ánimo como, tristeza, alegría; y valores universales como la paz, la libertad y la justicia.

En el arte no existen limitaciones para representar la figura humana, la imaginación permite al artista expresarse. Algunas veces suena inquietante mostrar el cuerpo humano como tal, pero no olvidemos que lo importante es encontrar la manera de expresarse.

Estos ejemplos los podemos encontrar en el artista Aníbal Angulo, fotógrafo reconocido por trabajar con la fotografía digital donde muestra la figura del cuerpo principalmente el femenino. En sus obras encontramos la representación del movimiento y descomposición de las posiciones del cuerpo, mostrando la sensualidad que estos conllevan sin dejar de admirar el cuerpo humano.

Utilizando la técnica de serigrafía, Aníbal nos muestra una imagen que en base de líneas semejan un boceto, creado con rapidez, captando el momento. Con dos colores, el blanco como base y la línea continua negra. Es un dibujo incompleto, pero logra captar lo importante de la escena.

En la obra ‘‘sin título’’ aparece una mujer desnuda con cabello largo, reclinada; y todo podría indicar que es sobre una cama, con una pierna alzada, una mano en un seno y la otra mano la utiliza para tocar sus genitales en un momento íntimo de autoerotismo. Esta imagen podría decirnos muchas cosas, pero lo que no nos dice, es que sea una mujer recatada, que hayan posado para nosotros. La mujer nos incita con su movimiento a que nos acerquemos a ella, que todo su cuerpo esta para nosotros o la persona que este frente a ella. También encontramos sensualidad, movimiento que va de la mano con la forma del dibujo, la fluidez que nos lleva a imaginarnos el placer que demuestra la mujer.

Esta imagen tan grotesca, nos lleva a una degustación desagradable, el simple hecho de ver a una mujer desnuda nos provoca morbo, y agregarle una posición sexual, semejada a la pornografía, no nos satisface en nada, y dejamos de lado el placer de dibujar, el captar el momento en que una persona esta disfrutando un momento placentero, en dejar esa escancia de placer plasmada en el dibujo que nos transmite en su expresividad. 

Con al experiencia que lleva Aníbal en su trabajo, no podemos ignorar su conocimiento como artista, fotógrafo, su concepto es mas especifico, la manera en que maneja su imagen, es simple, breve y clara. Solo nos queda observarla leer sobre ella y dar un breve detalle sobre si realmente capturamos ese momento, si entendimos lo que la imagen nos muestra. Es cuestión de que uno se enfoque más en los detalles, ya que esta imagen no contiene un titulo, donde especifique la forma del concepto, o es ese el concepto que el artista quiere, que nosotros mismo encontremos una hipótesis sobre la obra, una obra que nos deja mucho en que pensar, mucho que investigar, pero siempre tendrá una lógica, un motivo del porque esta aquí, y porque nosotros la disfrutamos.

Caos Creativo

Israel Elizondo

Crítica del arte 1

6 de diciembre de 2012                                      

                                                          

Purgatory  de Chor Boogie

Durante años se han creado piezas de arte con aerosol, pero a diferencia de los demás (Chor Boogie) sabe muy bien  la importancia de lo que crea. 

También sabe que sus piezas traen  consigo un peso. Su trabajo se inclina más hacia la galería que hacia la calle, pero el artista jamás se inclina a pintar en un solo lugar o superficie sobre otra.                                                 

                                                               

Es claro que maneja una amplia gama de colores y que su paleta no se acorta ni se simplifica por la dureza del tema. En su obra “Purgatory” que ejemplifica un tanto al grito de Edward Munch viaja entre el tiempo nostálgico de la psicología surrealista de Freud y el camino a la locura que ve fijamente al rostro.

Es la utilización del aerosol como medio de expresión, es un grafiti de alto nivel. Sin duda vacila con los espacios y más que dictarle el muro que va a pintar, le ofrece una serie de elementos originales por medio de ángulos y superficies con diferentes texturas que sabe aprovechar al máximo.

Mediante un rompecabezas de ángulos geométricos que se añaden al baile de la curvilínea, se integra la figura humana que oscila entre lo espiritual y lo terrenal, no nos evoca lo que los grabados de Goya, ni se ve frente a frente con el trabajo de Heronimos Bosch, aquí la forma y la figura nos da a entender que su visión sobre el descanso entre la vida y la muerte es mas similar al relato de Dante.

 Sin duda existe una explosión de colores que el artista acomoda de manera aleatoria pero con un fin. También le da brillo a la pieza para acentuar algunas áreas, y lo consigue volteando la lata de aerosol de cabeza y así esta pierde un poco la presión y hace que salga la pintura como un hilo delgado que va dejando suaves destellos al estilo de un aerógrafo con expresión de puntillismo.

Abiertamente Chor Boogie nos deja claro que para el, su pintura no solo es innovadora sino que “las palabras son una perdida de tiempo”

De manera coherente aplica Chor lo que el llama terapia del color,  que ha ido descubriendo poco a poco y lo ha podido utilizar yendo de menos a mas. A inicios del año 2000 empezó creando pequeñas piezas que le tomaban entre tres y cuatro horas para completar. No contento con el tamaño de su trabajo fue añadiendo línea, punto y geometría que harían crecer en presencia y vigor a sus piezas. Esta técnica llego a el por medio del artista angelino y practicante de grafiti, Vox quien también es muy geométrico en su tipografía y diseño.

Hailey aprende pintando y practicando hasta llegar al dominio de la técnica.

Se sumerge por completo en la pintura y durante el 2004 o 2005 toma un pequeño espacio en el centro de San Diego California, debajo de un edificio bancario y lo convierte en su estudio. Allí trabaja  en pieza tras pieza y muy en el fondo se puede ver una puerta que se encontró en la calle y la trabajo hasta dejar plasmada la imagen de Rembrandt. Aun se mira un tanto sucio su trabajo, pero sin duda ya empieza a mostrar otro nivel.

Gracias a un cambio domiciliario hoy Chor le llama casa a la ciudad de San Francisco y es aquí donde empieza a crecer su fama. Pinta de manera voraz y el color se ha vuelto su aliado y la medicina perfecta en esta terapia que práctica. Bajo su genial manejo de una acción que se piensa sucia y vandálica, el crea un contacto entre su publico y su pieza que logra mediante lo enigmático, lo simbólico y lo penetrante que son las combinaciones de lo figurativo y el toque abstracto.

Chor trae consigo un peso enorme en cuanto a curriculum, por mencionar algunas cosas que lo hacen único en la comunidad artista del aerosol, piezas como la que creo para el afamado Hugh Heffner quien es dueño de la revista playboy. También fue invitado a pintar un enorme mural en la gran apertura de las olimpiadas de Beijing en China, Después de un descanso trabajo el siguiente año con el maestro Maxx Mosses (Pose2) en una intervención colectiva para Mtv en Dubai. Y para finalizar otra obra que tuvo mucho impacto fue su intervención sobre un trozo del muro de Berlín en Alemania, hace un par de años.

Boogie tiene el tiempo, la fuerza y la energía para crear e innovar en cada pieza que crea. Aun recuerdo una de sus frases que hizo durante un mural que estuvimos pintando para una exposición en la ciudad de México D.F, Chor dijo “quiero pintar algo tan bueno que los hará pensarla dos veces antes de borrarlo”

Siendo así, este artista ha ido creciendo en sabiduría pictórica, en la utilización del movimiento figurativo en le que narra historias complejas de un trance entre las gamas de color y las formas. Sus piezas oscilan entre la realidad y la ficción sin necesariamente ser surrealista.

Todo lo que se ha mencionado sobre el trabajo de Jasón  suena increíblemente halagador y es  así por que sus piezas lo merecen Jamás podría decir que el crea piezas huecas o que les falte corazón. El arte de Jasón tiene simbolismo, tiene una desmesurada utilización del pigmento y gracias a ello me di a la tarea de revisar no solo el halago sino el punto de vista opuesto y lo encontré en su propia página de internet.

Aquí es donde yo pondría a Chor Boogie en tela de juicio o en otras palabras en el purgatorio de su autoevaluación .Su mención sobre lo que para el significa el color, el diseño, la visión y el simbolismo de sus piezas lo pone para mi en el púlpito y lo que predica cae en lo ridículo, en lo soñado y en lo forzado que puede ser para un pintor, explicar su propio trabajo sin querer ser su propia porra. Se me figura a ese cronista de la radio que le gusta escucharse decir cosas por muy banales que sean porque sabe que tiene una buena voz. A su pieza Purgatory la pongo en un pedestal, pero cuando leo lo que Chor escribe sobre su obra, me doy cuenta de la necesidad de no dejar las cosas en el limbo y cuan importante es el rol del crítico ante el arte.

Relaciones

“Relaciones” de Aníbal Angulo

Brenda Sánchez

 3 de diciembre ce 2012

La repetición de imágenes incompletas en la obra de Aníbal Angulo completando con cada una de ellas una sola pieza.

Ha cambiado la forma de hacer fotografía, ha experimentado nuevas técnicas, con texturas, con color, con su toque peculiar que lo caracteriza, con la forma de ver diferente al cuerpo humano y utilizarlo como parte de un proyecto convencional, el artista nos a llevado a interpretar la obra de una forma abstraída.

La cámara fotográfica, las películas de revelado, la luz, el cuarto oscuro, el pigmento, se han vuelto parte de una creación amorfa.

En el resultado logrado de la pieza interviene la determinación con la que el artista decide guiar el trabajo, nos dice: “La tecnología no asegura un mejor resultado, porque para poder llegar a nuevas conclusiones primero hay que saber cómo construir la idea a  través del ingenio”.

Es una de las piezas más interesantes del artista por la manera de integrar a los personajes, la expresión corporal de cada uno, los colores que utiliza en la pieza, las formas que crea, el balance de blancos, la repetición de cuerpos.

Ya no vemos figuras simples, ya no es solo una imagen mas, es una relación de imaginación, creación y un lenguaje diferente de percepción, un lenguaje donde se puede interpretar la figura humana sin límites, con posibilidades de hacer y deshacer, donde puede representar un sinfín de formas, donde la feminidad es un elemento escencial para el arte, la sensualidad y el erotismo.

En cada una de las imágenes contenidas en este trabajo se observa la analogía creadora que para él conforman el mar y la mujer, como el principio de la vida, donde las cosas se multiplican en un eterno desplazamiento cíclico.

 El juego de formas en la pieza  va creando un sentido de unidad, un sentido donde el cuerpo transmite protección, puesto que cada personaje cubre con una parte del suyo la parte de otro cuerpo, como si para el artista existiera un espacio donde encontrarse a sí mismo, un sentido donde se ha invitado al espectador a ir mas allá de la sexualidad de la imagen, a observar desde otra perspectiva, a la vez que se crea un contacto donde surgen cada vez mas nuevas percepciones hacia la representación artística, hacia lo abstracto, hacia la contemporaneidad, nos invita a analizar con detenimiento la imagen y nos transporta a un contexto diferente.

Sin duda Aníbal Angulo ha sido un artista informado, un artista que se ha atrevido a explorar una nueva forma de crear el arte a través de la fotografía, ha sabido como despojar los cuerpos que presenta hacia su público, es por ello que ha sido reconocido en diferentes lugares del mundo.

Las fotografías muestran el cuerpo de la mujer después de mil transformaciones; unas las que la fotografía original sufrió en el laboratorio, otras que la motivaron a las anteriores, las que ocurrieron en la mente del artista, que nunca habrá de conformarse con lo que la realidad de todos los díaas le ofrece.[i]

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[i] Víctor García. Rev. Claudia N. 75

MEX-GAMES

“MEX-GAMES, UNA REALIDAD INNEGABLE"

Anette Verenice lópez Nevárez

3 de diciembre de 2012

El artista Raudiel Sañudo, originario de Guamúchil Sinaloa, residió en Tijuana y Tecate, Baja California la mayor parte de su vida.

Dicen las otras plumas que le han escrito que siempre estuvo atraído por el arte. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de las Californias de Tijuana.

Ha tenido un recorrido por las ciudades de: Tijuana, Cuernavaca, San Diego, Monterrey, Los Ángeles, Santa Mónica, Tucson, Kingston Nueva York, Miami, Washington D.C. y Roma. Próximamente viajará con sus obras pictóricas hacia Hamburgo (diciembre 2012), a Seúl (Junio de 2013) y a la Ciudad de México en Vértigo Galería.

Al observar su obra nos topamos con personajes llenos de simpatía y encanto, a primera vista junto a sus calaveras sonrientes están esos detalles tan constantes llenos de flores, ojos grandes, tatuajes, símbolos del folklore mexicano y he aquí la clave para comprender su obra, la palabra "folklore". Les diré un poco del significado, para quienes no estén muy relacionados con este término; "Es la ciencia popular que da conocimiento de las tradiciones, usos, costumbres y música de los pueblos a través de generaciones; en tanto y en cuanto a esta palabra se refiere, debemos destacar que la misma encierra, un cúmulo de condiciones que identifican el verdadero sentido de la misma y son precisamente las funciones que se establecen en el Folklore".

Cuando nos asomamos por la ventana hacia la obra de Sañudo, vemos una gama de colores vibrantes, los rojos, azules, verdes, etc. Así como una carga social en cada pincelazo. Ahora me inclinaré hacia una obra en especifico que se titula: "MEX-GAMES".

En esta pieza observamos a dos niños,  siendo estos los personajes principales, se observa a uno sobre los hombros del otro, el de la parte baja se encuentra sobre una patineta y el de arriba esta haciendo malabares con fuego, utilizando máscaras de lucha libre y vestimenta descuidada, misma que lleva mensajes de la cultura anglosajona.

Nos presenta un panorama en la vida cotidiana de los niños de la calle de una manera muy peculiar y totalmente realista de este tipo de "trabajo".  Los niños de la calle trabajan en esta clase de actividades para ganar dinero, entran a una economía informal, ya sea por abandono familiar o por defecto para contribuir con sus familias.

La peculiaridad de esta obra es la gracia con que la pieza está hecha, al ver sus ojos tan llenos de inocencia, con sus máscaras simpáticas representando este escenario a manera de juego. 

Esta obra es una llamada de atención o una denuncia para que esta actividad se termine, los niños no están para andar deambulando en las calles, ganándose el dinero a costa de una inocencia interrumpida por falta de responsabilidad de los padres y las autoridades correspondientes a este tipo de abandono, la pieza "MEX-GAMES" tiene una connotación con nuestra realidad innegable.

“El futuro de los niños es siempre hoy. Mañana será tarde”. Gabriela Mistral

La Pareja de Elba Rhoads

La Pareja de Elba Rhoads

 Crítica 1

Juana Inés Ramos Muñiz

¿Qué es el arte para Elba Rhoads? Artista plástica bajacaliforniana conocida por su excelente trabajo pictórico, sus cuadros hiperrealistas que son destacados por sus diferentes formas, sus colores, las imágenes y el significado que le da a cada uno de ellos.

Egresada de la Universidad Autónoma de Baja California, ha sido pionera del arte en dicha institución, donde  obtuvo el mérito académico y  donde en la actualidad funge como docente. Acreedora de varios reconocimientos, distinciones, becas, premios, se constituye en artista  en toda su capacidad creadora.

Su carrera se ha desarrollado dentro de las tradicionales  técnicas de la pintura, de las que su principal logro es el  oleo; sus obras hiperrealistas son una gran influencia de los también artistas norteamericanos de finales de los años sesentas y con una notable influencia de Chuck Close (pintor norteamericano hiperrealista), Arturo Rivera (artista visual mexicano) e de Itsvan Sundorfi (artista visual húngaro).

Para sus retratos utiliza principalmente referentes de fotografías que ella misma toma, en donde poseen rasgos que describen situaciones  fuera de lo común, para que el  espectador, al interactuar con estas formas pueda completar la obra y darle un propio significado.

Su retrato ¨La pareja¨ que se analizará detalladamente ,donde expresa la espontaneidad de la toma fotográfica, saliéndose de los cánones establecidos y así darle un contexto diferente del retrato común, ordinario, en este retrato se reflejan las formas, los diferentes matices que en el emplea, así como las diferentes formas y ángulos que le da, cabe resaltar que en este retrato también se aprecian diferentes planos, que le otorgan el peso del cuadro a la joven que al ser impactada al vidrio da la toma principal , pero no deja detalles al fondo se observa dos personas y al lado izquierdo, la entrada de la cafetería de la Universidad Autónoma de Baja California, que hacen que el cuadro tenga equilibrio visual. También se aprecian las líneas imaginarias del mismo, así como formas   circulares, en el vidrio donde esta impactada la joven, se aprecia el reflejo de las hojas de algunos árboles, que al momento de la foto capta el lente y al ya pasarlos al retrato no deja atrás ningún detalle, usa los colores tal cual están en las fotos, le da la retrato un enfoque diferente, pero así logra una transformación que deja atrás el retrato común.

En  las obras pictóricas de Elba, presenta una propuesta diferente al tener la iniciativa de tomar las fotos y pasarlas al lienzo, darles la forma y acentuar  los colores que aparecen en la foto, pero con diferentes características. Al tener una preparación académica y al haberse involucrado en el mundo del arte con anterioridad, hace a esta artista plástica multidisciplinaria y ofrecer una mejor calidad  así llena las expectativas del público que admira su propuesta artística.

La pescada con escoba

 

La pescada con escoba

de Francisco Toledo

María Reyes Gaona

28 de Noviembre de 2012

Las tradiciones mexicanas son muy variadas, la manera en que la madre educa a su hijo a ser valiente, a reprimir sus sentimientos, a ser el que manda en la casa, a trabajar y a tener hijos al por mayor, son algunos de los rasgos culturales del muy común machismo mexicano, aunque suene increíble, aun existen estas tradiciones, lo que conlleva a la aun existente desigualdad de género.

Estadísticas dadas a conocer en 2009 por The Global Gender Gap, posicionan a México como uno de los países en donde se encuentra mayor desigualdad de género. “El hombre domina en México y se ha encargado de acrecentar esta brecha”. 

Estas tradiciones culturales son las que no dejan a un país avanzar.

“…Y eso que las lombrices no hacen la guerra,

No hablan de amor

Ni destruyen el mundo para ser ricas y fuertes.

Los peces no torturan.

No cobran nunca

Intereses sus bancos.

Como son tantos

Se vuelven incapaces de mentir y engañar…”

Este poema aunado a la pintura a tratar “El pescado con Paraguas” de Francisco Toledo, relata esa comparación entre el ser humano y el animal. A lo largo de su vida artística Francisco Toledo se ha destacado por la hibridación en sus trabajos pictóricos, pero en esta pintura en particular, dándole otra lectura aparte de la comparación hombre/animal, podemos ver esa diferencia de género o se podría llamar de alguna manera hipotética “desigualdad social”.

Por medio de la simbología utilizada en la obra pictórica, podríamos captar otro tipo de mensaje, que no se nos está dando en la poesía, ¿Qué significado tiene la escoba? ¿Por qué el paraguas? ¿Por qué el pescado que sostiene el paraguas tiene cola y el pescado sentado tiene una vulva? ¿Será que Francisco Toledo quiere que vayamos más allá de lo plástico? Este será el tema a analizar.

Nos damos cuenta que este personaje central con cara de pez, pierna con zapato de mujer, órganos femeninos es sin duda un personaje de género femenino, de eso podemos estar seguros al cien por ciento.

Desde siglos atrás la mujer se ha hecho cargo de la limpieza del hogar, no es inusual que objetos de limpieza y de cocina sean relacionados con el rol femenino. Actualmente es muy común ver comerciales de televisión que anuncian productos de limpieza en los cuales la mujer es la única que aparece en estos. En la pintura encontramos una escoba la cual el personaje central toma con las dos manos separadas, pasándola por debajo de la pierna, este movimiento genera una especie de palanca, como si se estuviera tratando de romper dicha escoba. Este acto podría significar el cansancio o la frustración de la mujer en cuanto a su rol como ama de casa.

Otro aspecto curioso de dicha pintura es el hecho de que ésta fémina parece estar sentada esperando, en una posición muy exótica, la cual nos lleva a otro punto clave encontrado en el machismo mexicano: La mujer como objeto sexual.

El otro personaje situado en la esquina superior derecha tiene una cola de pescado entre las piernas, una cola larga por tal motivo podemos suponer que se trata de un personaje masculino, el nombre de esta pieza es el pescado con paraguas, esto podría indicar que este personaje es el principal.

Sin duda alguna no podemos dejar pasar que el personaje central es el híbrido femenino, si lo vemos desde esta perspectiva podríamos proponer esta hipótesis: el hombre “de la casa” cuyo trabajo es solamente proveer dinero, aplicando la ley de jerarquías como lo hacían los antiguos egipcios, podríamos deducir que el trabajo del hombre es mínimo al comparar el trabajo de una madre, ama de casa.

La pintura de Francisco Toledo nos puede echar a divagar entre muchas comparaciones, ya sea entre animal y hombre u hombre y mujer, es claro que un problema entre dichos géneros existe, en México y en el mundo.

Es importante señalar estos problemas, no podemos pretender que esos tiempos ya terminaron, ni que por ser una ciudad urbanizada llena de tecnología éstos comportamientos han desaparecido. Sin afán de ofender al género masculino con esta crítica y más bien con el afán de exponer esta gran problemática tradicionalista y cultural; Para concluir, claramente existe la desigualdad de género en pleno siglo XXI, nos guste o no nosotros lo permitimos de cierta manera, las costumbres son difíciles de cambiar, así como el pensamiento de viejas generaciones, lo que nos queda a las nuevas generaciones es educar a las que siguen para que poco a poco esta desigualdad y todas las desigualdades existentes dejen de ser.

Erotismo e inocencia

Martha Paulette Palomino González

27 de Noviembre del 2012

La fina y suelta línea que dibuja las ondas del cabello , o los suaves tonos de color que se extienden sobre todo el fondo del lienzo, son sólo algunas de las características que enmarcan la expresión sugestiva de estas hermosas figuras, que posan de manera sensual, mientras que al mismo tiempo te sostienen la mirada,  con una expresión misteriosa albergada  en los ojos , tratan de comunicarte algo, pero, sin darte muchas pistas para que no  lo puedas descifrar, y te quedes perdido contemplándolas. Estas ninfas, son las  protagonistas del trabajo de Audrey Kawasaki

            La joven artista de Los Ángeles, California al ser proveniente de una familia japonesa y vivir rodeada por esta cultura, ha desarrollado un estilo único al mezclar la estética de los mangas y la del art noveu. Estudió en la escuela de arte “Pratt Institute”, en la ciudad de Nueva York, pero siendo esta ciudad de un corte más conceptual, hizo que ella, con su estilo figurativo, ilustrativo se sintiera fuera de lugar y abandonó la escuela sin completar.

            Es conocida por su  técnica de óleo sobre paneles de madera, que parecen mas acuarelas que oleo, a la cual le suma detalles con lápices de colores, lo que hace que la línea de sus dibujo destaque más que las pinceladas o los bloques de color. La madera en una parte importante de su trabajo, y mientras más rica en veta sea está es mejor, ya que la línea de sus dibujos obedecen la de la madera, y aprovecha su color al hacerlo parte del cuadro.

            De sus cuadros, el que más ha capturado mi atención es el llamado “she entwined”, (que actualmente se encuentra en la galería “Outre” en Australia). En esta pieza encontramos una composición en vertical, armoniosa, donde la figura principal es el rostro de una hermosa joven de facciones finas, lleva una expresión de deseo en la cara, mientras mira fijamente al espectador, con una mirada de ojos entrecerrados, esta mujer lleva el pelo tranzado y  las líneas onduladas  de los cabellos son protagonistas, y nos hace recorrerlo hasta la parte más enmarañada, en donde encuentran entrelazadas, como si fueran producto de su imaginación, cinco figuras femeninas que posan de manera provocadora,. Los colores de la pintura son muy tenues y cálidos, la atmósfera se ve invadida por  colores naranjas, suaves y translucidos. El fondo está pintado con una veladura de óleo que es lo suficientemente translúcida para permitirnos disfrutar de la riqueza de la veta de la madera, pero con el suficiente pigmento para hacer un degrado de tonos.

            Audrey Kawasaki es un claro ejemplo de cómo la  globalización, ha penetrado todos los campos posibles, sin dejar de lado el del arte. Claramente podemos ver la manera en que  repercute en su quehacer artístico, ya que su estilo tan característico, es producto de crecer en dos culturas tan diferentes, por un lado  vivir en Estados Unidos y por el otro su raíz japonesa y la herencia cultural que le inculcaron sus padres,  cosa que le han dado una visión más amplia y homogénea del panorama cultural.

            Por lo tanto, su relevancia como artista la encuentro en su estética,  en esta mezcla de estilos, el empleo del óleo a forma de acuarela,  más la característica línea de su dibujo y el acierto de tomar por lienzo las maderas y hacer las vetas parte de su sello personal, que la han colocado ya como una de las artistas más solicitadas de la ciudad de Los Ángeles. Por ser una artista tan  joven y tener una producción permanente, con un largo camino por recorrer, considero que vale la pena estar al tanto de la evolución que tenga su trabajo, por que sin duda crecerá para dar un giro interesante.

“El engranaje del arte”

“El engranaje del arte”

Gerardo Gómez Amezola

27 de noviembre de 2012

Navegando por la red me encontré un videoclip que trataba de la exhibición pública de una de las arañas de Louise Bourgeois. Ésta no era la famosa escultura monumental de ocho metros, Mamman. 

Era una versión más pequeña de ella, aproximadamente de tres metros. Como soy “Artista” era mi deber darle clic a ese video. No por que éste deseoso de conocimientos, sino por mera vanidad. Al ver que era un reportaje de la cadena Univisión me di cuenta que no le serviría de mucho a mi maquiavélico ingenio, aun así no le di importancia y decidí mirar el video. Como estaba buscando una experiencia del tipo hipster. (Por la mala calidad del video me pareció que era más interesante verlo que leer a Kant) de nuevo, busca una experiencia del tipo “soy bien hipster”. En resumen el reportaje nos contaba que una de las esculturas de la recién fallecida escultora Louise Bourgeois está suelta por las calles de Nueva York asustando a la gente. Sería más divertido el pene de látex que cuelga de un hilo (1968, Bourgeois) pero Univisión es asexual a pesar de las conductoras de programas de “noticias”. Las opiniones variaban de “está horrible me da miedo” a mi favorita “¿y eso es arte?”. No pretendo subestimar a la gente de carne y hueso, tienen un punto a su favor. La obra de Bourgeois es una araña mutante. ¿Cómo eso puede ser digno de la categórica idea de la belleza? que por cierto, las dimensiones no ayudan. Si la obra de tres metros es fea, la obra de ocho metros es impresionante mente fea. En gustos se rompen géneros; no toda la gente considera la escultura como fea, pero en términos genéricos no hay elementos suficientes que me hagan pensar que la Mamman es bonita.

Hagamos un punto y aparte, Mamman cumple con todos los requisitos contemporáneos de una obra de arte, concepto, factura, diseño, etc. y aquí viene mi primer dilema Mamman es hermosa, llamativa, ambiciosa y asombrosa. Esta es la parte donde viene la contradicción; es fea, aterradora, de mala factura y grotesca (y si, dije de mala factura y también de buena factura por eso es una contradicción). Daría el por que, dé como llegué a estas conclusiones pero, terminaría con la descripción de una obra que asumo todo mundo conoce a la perfección. Por lo menos asumiendo; de nuevo, que solo las personas interesadas en leer este artículo saben más que yo.

Mamman es una obra cargada de conceptos autobiográficos. Desde el punto de vista general de la ahora Facultad de Artes de la UABC, lo auto biográfico es egoísta, no se entiende y no sirve. Si fuera un mural, la cosa sería un poco más virtuosa. Pero estamos hablando de Louise Bourgeois y no pretendo divagar en otras cosas un tanto mas divertidas. Antes de ser linchado por una horda de muralistas; que sus cosas tiene “muy bien acomodadas”, llegaré a lo que pretendo. ¿Cuál es la función del arte? ¿De qué sirve quebrarte la cabeza con un concepto del que nadie se enterara y ni entenderá? ¿Por qué si la belleza ya no es lo que se busca, lo primero que se señala es la falta de ella? Tratando de asumir el reto de estas y más preguntas se me ocurrió una forma de acercarme a todos estos planteamientos sin terminar con un ensayo del tipo filosófico, por lo menos no tan orientado a la estética y más ajustado hacia la crítica (de nuevo otra área gris en el mundo del arte). Con el fin de acercarme a la realidad el desarrollo de este artículo consistirá en dos partes: la relación de la artista con su obra, y la relación de la obra con el espectador. De ahí el titulo el engranaje del arte.

En lo personal mis obras más exitosas son las que para variar, hablan de mí. Reflexionando acerca de esto intenté sostener una teoría bastante aventurada… el zodíaco. Sabía de antemano que la teoría daba para mucho pero perdí el interés rápida mente. Gracias a la maravillosa herramienta de internet decidí “googlear” el signo zodiacal de Bourgeois supuse que como mi signo Acuario señalaba al arte como una de mis mas grandes aptitudes, si el zodiaco es real, el signo de Bourgeois, Capricornio diría cosas bastante cercanas a la realidad. Error, no había ninguna referencia a la creatividad o al arte. Como la muestra de mi pequeña investigación era muy chica decidí ampliarla a tres sujetos, la elección más natural Joseph Beuys, Tauro. Los hallazgos como era de esperarse no tenían nada que tuviera algo que ver con creatividad o arte. Encontré cosas muy interesantes sobre la personalidad de cada signo y me surgieron varias preguntas que dan para una investigación larga y profunda por ejemplo si los sujetos de estudio nada tienen que ver con el arte y la creatividad ¿Por qué se orientaron al arte? El único “pero” para esta investigación es el mismo “pero” que se le da a San Agustín en sus diez razones de la existencia de Dios. Y así como San Agustín está dando por hecho de antemano la existencia de Dios, para comprobar que Dios existe; se está dando por hecho que el horóscopo ejerce una influencia real sobre cada individuo.

Ahora que deseché mi teoría universal del comportamiento humano vuelvo a poner los pies sobre la tierra y lo intento de nuevo. Después de mi pequeño delirio debo de decir que la única razón por la cual Bourgeois trabajó con conceptos autobiográficos es por que simple y sencillamente fue valiente. Lo que intento decir es esto, para ser artista tienes de dos, salvas el mundo o salvas tú alma. Tratar de salvar el mundo es una meta más difícil de lograr pero quedas bien con la sociedad y eso también incluye a los futuristas que quieren destruir todo a su paso. No estoy tratando de degradar a los artistas que hacen crítica social. Al final todos estamos haciendo una crítica a la sociedad desde el primer momento en que decidimos ingresar al mundo del arte. Es sólo que salvar tu alma es un proceso que requiere de la autoflagelación, no es de sorprenderse que Bourgeois al ser entrevistada sobre Mamman y la relación con su madre contestara de manera violenta “mi mejor amiga era mi madre, fue deliberada, inteligente, paciente, suave, razonable, delicada, sutil, indispensable, pulcra y tan útil como una araña. También podía defenderse y defenderme, al negarse a contestar "estúpidas", chismosas y embarazosas, preguntas personales. (Louise Bourgeois, p.62.) Estaba enojada y quien no lo estaría, un trabajo tan personal como Mamman, la araña tejedora de más de ocho metros, es digno de llamar la atención pero, ¿cómo puede alguien enfrentarse a tal exposición ante el mundo? El trabajo exorcizador de demonios es más meritorio que el que pretende alabar al artista ¿de qué sirve cargar de conceptos pretenciosos una obra de arte, si nadie la va a entender? Yo digo: basta de hipocresías, el arte es arte sólo porque tiene la intención de ser arte pero, hay niveles. No es lo mismo la obra obvia del perrito paseando al humano a la obra monumental de Bourgeois, que en su propia forma está la respuesta, expuesta a la vista de todos… el trabajo en sí es un demonio, un monstro hecho de recuerdos.

Vivimos en una época dónde lo verde está de moda, lo autobiográfico no es necesario en las galerías nadie lo va a entender y aparte a nadie le interesa si tu perrito se murió y a ti te dolió mucho; a menos claro, que mida ocho metros; o en este contexto tijuanense este pintado en un muro. Y ahí la tienen; esa palabra clave “contexto” me había prometido que jamás usaría esa palabra para absolutamente nada, creo que hoy romperé esa promesa. Es aquí donde las cosas se ponen feas; esa palabrita contexto; ha estado muy en boga los últimos 3 años; de hecho, “contexto” fue la primera palabra que aprendí en la facultad de artes. No soló es usada para referirse a un sitio sino que también es usada como “justificación preferente” para la realización de un mural; y si no, den una vueltita por alguno de los murales Huicholes y Chichimecas que hay en la ciudad, o la máxima representación de la decadencia social Reacciona Tijuana que para el bien de todos pasó a mejor vida. ¿Para qué sirven? En este negocio de el arte lo que importa es seguir la moda. Pintar no te posiciona, hay requisitos que se deben de cumplir para validarte como artista, y hay más requisitos que se deben de cumplir antes de que se te de el título de “contemporáneo” (considerando que lo que se hace en el presente es contemporáneo) sé “verde” y triunfarás o como en la mayoría de los casos adelántate a tu tiempo y muere en la miseria, eso nunca falla. Es cierto con el internet el juego ha cambiado de reglas, pero aun así existe es el estigma que manda “no eres nadie adentro, si no eres nadie afuera”.

La Mamman de Bourgeois no sólo es una escultura que nos cuenta de su madre; es la culminación de más de 50 años de ella como artista, de ella como ser humano que vive perseguida por los recuerdos del pasado. Y va aun mas allá, la araña es la madre de todos. La criatura es capas de materializar esa conexión entre madre e hijo. Bourgeois al hablar de ella no es ni por un momento egoísta, al contrario se conecta con todos y cada uno de los seres vivos que están y alguna vez estuvieron en la tierra; tal vez en el universo entero, es tan personal, pero a la vez tan universal que seguramente llevo a Bourgeois al llanto en mas de una ocasión. Esta es la relación que la Mamman tiene con todos nosotros. Tal vez muchos de nosotros jamás seremos padres, pero existe una verdad absoluta, una verdad en la que ni siquiera se piensa, todos somos hijos. Y es ahí donde el arte trasciende y tiene una razón de ser.  Bourgeois está muerta, pero antes de morir fue capaz de crear un enlace con todos y cada uno de los seres vivos que viven, alguna vez vivieron y que vivirán. Mamman es más grande que 8 metros, es aun más grande que el tiempo.

http://dejenmevivir.wordpress.com/2012/03/06/louise-bourgeois-_/

http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/show-list/artist/b/?search=Louise%20Bourgeois

http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/show-full/piece/?search=Louise%20Bourgeois&page=1&f=People&cr=7

http://es.wikipedia.org/wiki/Louise_Bourgeois